¿Conoces las técnicas de pintura secas?

    Pastel: La pintura pastel es una técnica pictórica seca de alta calidad. Se trata de barritas compuestas de pigmento y un poco de goma de tragacanto como aglutinante. El pastel tiene un aspecto aterciopelado sobre el papel, vivo, atractivo, pero además, es una técnica muy agradecida, ideal para practicar con el color, ya que no se necesitan disolventes ni pinceles.

Autor: Mary Cassatt - Niño dormido

    Rotuladores: La técnica del rotulador es genial para crear ideas rápidas. Permite mucho dibujo y también aporta el color necesario. Si además se le pone trabajo, el resultado puede ser muy espectacular.

El rotulador es muy expresivo porque se basa en la línea como elemento gráfico principal y además puede aportar dirección, puntos, texturas, masas de color, tachaduras, frotados, mezclas de color entre los colores en el propio papel.

Autor: Paco Meléndez Torres

    Lápices de colores:  normales / acuarelables: Los lápices de colores, como cualquier técnica de dibujo, y en este caso de color, pueden ser muy versátiles si conocemos ciertas técnicas. Podemos encontrar lápices comunes y acuarelables.

El lápiz de color consiste en una barrita de madera con una mina coloreada en su interior, más dura y fina que los colores pastel, pero con mayor facilidad de uso. La mina se compone, actualmente en el caso del lápiz común o tradicional, de cera y resina con pigmento de color.

Autor: Sonia Acero Mota - Concurso Patrimonio Nacional de Pintura

    Grafito: La técnica de grafito, es la menos complicada de trabajar.

Por su forma, peso y tamaño, el lápiz es el instrumento de dibujo más manejable y fácil de usar, que no requiere un pulso excepcional para ser utilizado y que se borra con facilidad.

Los lápices de grafito están graduados según su blandura o su dureza en una escala que va desde el 8B hasta el 8H: la letra B designa la blandura y la H la dureza.

Autor: Anónimo

    Carboncillo: El carboncillo, usado para dibujar desde la antigüedad se obtiene quemando ramas pequeñas de madera, por lo general de viña o de sauce.

En el siglo XVI, cuando se empezaron a usar sustancias fijadoras, el carboncillo sobre papel blanco y azulado era el medio favorito de algunos pintores venecianos como Tiziano y Tintoretto, mientras Guercino era un entusiasta del carboncillo bañado con aceite de linaza, con el que se conseguía un negro más intenso y estable.

Autor: Antonio Mendozza - Caballos

    Sanguina: La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico, que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo.

    La sanguina se convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a finales del siglo XIV fue empleada entonces sobre un soporte de papel, bien bajo su forma sólida –trazo dejado por la barra de sanguina-, bien bajo su forma líquida –agua aplicada con el pincel-, y mezclada a menudo con otras técnicas.

Autor: Domingo Álvarez Gómez - Desnudo femenino

¿Conoces las técnicas de pintura húmedas?

    Óleo: La pintura al óleo utiliza el aceite para disolver los colores. Ha sido la más importante técnica pictórica desde el siglo XV hasta nuestros días. Esta técnica era conocida desde la Antigüedad, y en las fuentes literarias medievales, como en los tratados del monje Teófilo y de Cennini, ya se hacía alusión a ella.

    El ideal de soporte para la pintura al óleo es la tela o lienzo, aunque también se ha indicado que esta técnica es asimismo válida para pintar sobre pared e incluso madera, como los retablos encontrados en múltiples conventos e iglesias y que se mantienen en perfectas condiciones.

Autor: Joaquín Sorolla - Niños jugando en la playa

    Temple: Es una técnica pictórica que consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina.

    La pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce; las pinturas murales del antiguo Egipto y de Babilonia, y las del periodo micénico en Grecia, están probablemente realizadas al temple con un aglutinante de yema de huevo, al que en algunos casos se añadía un poco de vinagre.

Autor: Anónimo, siglo XII procede de la Seo de Urgel, actualmente en el Museo de Arte de Cataluña

    Tinta china: La tinta china es una técnica milenaria que se utiliza para dibujar en blanco y negro principalmente, aunque en el mercado existen tintas de muchos colores. Se trabaja mucho el dibujo y los efectos con pinceladas.

    Son famosos los dibujos y pinturas japoneses del estilo Sumi-e, en el que con trazos simples se representan las formas. En estas obras es necesario desarrollar la práctica y el manejo del trazo con los pinceles.

Autor: Anónimo

    Acuarelas: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono.

    Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel.

El soporte ideal para esta técnica es el papel de acuarela, que podemos encontrar de diversos grosores en función de las necesidades del artista.

Autor: José Orlando López Molina - Paisajes Costumbristas Rurales 

    Témperas: La témpera es un medio para pintar semejante a la acuarela. También se la conoce como gouache. Los artistas del siglo XVIII empleaban técnica mixta de acuarela con gouache, para lograr zonas de mayor solidez y potenciar los colores.

    La témpera es adecuada para dibujos, efectos de trazo seco, empastes de colores.

Su aglutinante es la goma arábiga, aunque las témperas modernas pueden emplear aglutinantes plásticos. Se diluye en agua y posee colores espesos.

Autor: Anónimo

    Acrílicos: La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico.

    Se pueden utilizar múltiples soportes, entre ellos el lienzo, cartón, madera, etc. Los pinceles más adecuados que podemos utilizar son los de cerda natural, aunque también admite pincel sintético.

Autor: Anónimo

    Spray: Principal técnica del Graffiti, puede ser de muchos tipos y con componentes variados el más común es de pintura sintética, acrílica o fotoluminiscente. Además de esto requiere de un gas impulsor que suele ser tolueno. 

Se conoce desde los años 60, aunque su verdadera revolución fue a finales de los años 70 y a principios de los 80 con los graffitis en Nueva York. 

    En sus inicios era una técnica algo costosa (en torno a 2.000 pts en los 80) y prácticamente agua sucia, sin embargo en la actualidad son más asequibles y de mayor calidad.

    Esta técnica se usaba principalmente como medio de crítica social. 

Un aspecto clave para conseguir los efectos deseados son las boquillas que se usan, podemos encontrarlas de diferentes grosores: entre las más comunes están las boquillas de trazo biselado, ancho, muy ancho, regular y fino. Encontramos otras más especiales como por ejemplo las fats, skinnys, soft, needle, universal.... 

Autor: Dondi White, New York años 80

¿Cómo es la pintura más actual?

    Neo-expresionismo

    En la década de 1980 varios artistas jóvenes, europeos y americanos, se rebelaron contra la pureza formalista, impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El resultado fue un resurgimiento de la pintura figurativa y narrativa llamado neo-expresionismo. Muchos de los seguidores de este movimiento evitaron la representación realista, empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para plasmar sus visiones subjetivas, por lo general ambiguas y enigmáticas.

Autor: Jorge Castilla-Bambarén

Nuevas tendencias abstractas

   Después de la intensa subjetividad del expresionismo abstracto, la pintura abstracta se inclinó hacia una pureza formal más rigurosa e impersonal.

    La culminación de esta tendencia fue el minimalismo, en el cual la pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o colores lisos. LaHard-edge abstraction fue un movimiento relacionado con el anterior, que evolucionó hacia composiciones abstractas más complejas y dinámicas.

    Bajo la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar "al servicio de la mente", el arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación teórica.

Autor: Kandinsky Wassily

Nuevo Realismo

    Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento de la pintura realista. El realismo es un estilo continuo, pero muy individualista, en el arte de América.

    Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en la fotografía para conseguir una variedad de pintura realista impersonal, con detalles precisos.

Animales reales en la pintura, Autor: desconocido

Op Art y Pop Art

    En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores siguieron en la senda de la abstracción, como denota el Op Art de Victor Vasarely.

    Si bien el Op Art se basa en producir ilusiones ópticas generalmente abstractas, el Pop Art es figurativo.

    Los artistas Pop tomaban sus imágenes de los anuncios, de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos cotidianos.

Pop Art. Autor: Andy Warhol

Op Art

     Para una mejor explicación os proponemos un vídeo  

 http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_04_05/pop_art.htm

¿Cómo es la pintura en el siglo XX?

Expresionismo abstracto

    La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados, fue sin duda el catalizador en la creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva York entre las décadas de 1940 y 1950.

Sus artistas, partidarios del automatismo surrealista y del expresionismo, eran conocidos como action painters. La técnica pictórica implicaba gotear colores sobre lienzos de gran formato para crear al azar motivos enérgicos.

    Otros expresionistas abstractos, desarrollaron la colour-field painting, aplicando sobre el lienzo grandes extensiones de color sutilmente modulado.

Autor: Fredy Holzar

Surrealismo

    En 1924 se presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística.

    A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han desempeñado un importantísimo papel en la creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya existentes. Entre ellos se encuentran el expresionismo abstracto, el Op Art y el Pop Art, el fotorrealismo y el minimalismo.

Autor: Dalí

Pintura abstracta

    El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX.

    El cubismo fue crucial para su evolución, sobre todo en Rusia, donde los artistas, que conocían las tendencias francesas, bien a través de sus viajes a París, o viendo el arte de vanguardia en las colecciones moscovitas, empezaron a crear cuadros de construcción geométrica. Kazimir Maliévich llamó suprematismo a su manera de abordar la abstracción, mientras que a otros artistas rusos se les conoció como constructivistas.

     Después de su contacto con el cubismo,  desarrolló una forma de abstracción llamada neo-plasticismo. Sus pinturas de cuadrículas, poniendo de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, y sus teorías estéticas fueron la base del desarrollo de la abstracción geométrica en Estados Unidos en la década de 1930.

 

Pintura al Óleo

¿Qué vino después del impresionismo?

Cubismo

    Entre 1907 y 1914 se desarrolló el cubismo en París, inspirándose en la forma, cada vez más geométrica, de representar los paisajes y las naturalezas muertas, y en las formas dinámicas de la escultura africana e ibérica.

    El cubismo llegó a ser el estilo artístico que más influencia ejerció en todo el siglo XX; se basa en poner de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, rechazando los valores tradicionales de perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro.

Autor: Pablo Ruiz Picasso

Expresionismo

    La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y respuestas subjetivos, por medio de la distorsión de la línea y del color, que por representar fielmente la realidad externa, se fundió en un movimiento conocido como expresionismo.

Caliban, personajes de "La Tempestad" de Shakespeare (1914)

Fauvismo

    A principios de siglo, los artistas, tanto franceses como alemanes, mostraron su interés por el arte de las sociedades no-occidentales.

Autor:  That Morgan. Anne  Frank Study.

¿Os gusta el Realismo? ¿y el Impresionismo?

Pintura del siglo XX anterior a la II Guerra Mundial

    El arte del siglo XX se caracteriza por numerosos movimientos y estilos. Entre los que tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra Mundial se encuentran el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neo-plasticismo, el dadá y el surrealismo; en Estados Unidos se desarrollaron el sincronismo y el precisionismo.

Movimientos post-impresionistas

  Ramificación del impresionismo desarrollada y conocida como divisionismo o puntillismo. Se transformaron la pincelada suelta, típica del impresionismo, en puntitos de pigmento puro, yuxtaponiendo sobre el lienzo zonas diminutas de colores complementarios.

Autor: Vincent Van Gogh "La noche estrellada"

Desarrollo del impresionismo

    Édouard Manet fue el principal innovador de la década de 1860 y su estilo fue precursor del impresionismo. Manet encontró muchos de sus temas en la vida que le rodeaba, aunque también tomó muchos de maestros anteriores recreándolos de acuerdo con la vida contemporánea, a su propio estilo, aplanando las figuras y neutralizando las expresiones emocionales. Estas y otras innovaciones, como su pincelada libre e imprecisa y sus amplios parches de color yuxtapuestos sin transición, hacen que se considere a Manet el primer pintor moderno.

Realismo

    Se creía que el artista debía ser realista y pintar los acontecimientos cotidianos de la gente común. Aunque no existía ningún movimiento artístico realista formal, la obra de algunos pintores del siglo XIX presenta tendencias que pudieran ser identificadas como tales.

Autor: Jules Breton

    Os recomendamos la exposición "más allá de la Figura" que se encuentra en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, que cuenta con tres  autores: Miki Leal (30/10/13-02/02/14), Sylvia Sleigh (27/09/13-12/01/14) y Guillermo Pérez Villalta (12/07/13-12/01/14)

¿ Sabes cómo evolucionó la pintura después del medievo?

Pintura romántica

Sucedieron muy cerca al neoclaisicismo, el movimiento romántico introdujo el gusto por lo medieval y lo misterioso, así como el amor por lo pintoresco y lo sublime de la naturaleza. Se dio rienda suelta a la imaginación individual y a la expresión de la emoción y del estado de ánimo, desbancando al enfoque intelectual razonado de los neoclasicistas. En general, los pintores románticos preferían las técnicas coloristas y pictoricistas al estilo neoclásico, lineal y frío.

Aunque el romanticismo fue el movimiento dominante durante buena parte del siglo XIX, existían otras tendencias artísticas del todo diferentes, y muchos pintores no abrazaron ninguna escuela claramente definida.

Autor: Eugène Delacroix "La libertad quiando al pueblo" (1798-1863)

Pintura neoclásica

En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura experimentó una revolución, cuando el casto neoclasicismo vino a sustituir al exuberante estilo rococó. Este resurgimiento clásico en las artes se debió a diferentes acontecimientos. A  mediados del siglo XVIII, se iniciaron muchas excavaciones arqueológicas en Italia y en Grecia y se publicaron libros con dibujos de antiguas construcciones que los arquitectos ingleses y franceses copiaron con avidez.

Autor: Francisco de Goya

Pintura rococó

El arte rococó, que floreció en Francia y en Alemania a principios del siglo XVIII, era en muchos aspectos una continuación del barroco, sobre todo en lo concerniente al uso de la luz y de la sombra y al movimiento compositivo.

Sin embargo, el rococó es un estilo más ligero y festivo, muy adecuado para la decoración de las residencias parisinas. También eran muy populares las escenas mitológicas y pastorales, en las que aparecían mujeres desenfadadas y distinguidas.

Aquí os dejamos un vídeo:

 http://www.youtube.com/watch?v=a-2WB_E-cr0

Pintura barroca

El arte barroco del siglo XVII se caracteriza por su aspecto dinámico, en contraste con el estilo clásico, relativamente estático, del renacimiento. Esta tendencia se distingue por las líneas compositivas diagonales, que proporcionan el sentido del movimiento, y por el empleo de un marcado claroscuro. Con ambas técnicas se consiguió un estilo dramático, grandioso, apropiado al espíritu fundamental de la contrarreforma. Muchos pintores de principios del siglo XVII empezaron también a desviarse de la artificialidad del manierismo en un intento por volver a un reflejo más exacto del mundo natural.

¿Queréis conocer que vino después?

Manierismo

Hacia 1520, surgió en Italia un estilo sofisticado y artificioso, muy intelectual, conocido como manierismo. Se confería más importancia a la complejidad y a la distorsión que a la armonía de las líneas, al color o a la composición; en el manierismo, hasta las pinturas religiosas resultaban inquietantes para el espectador.

Autor: Francesco Bassano el joven (Giambattista da Ponte)

Pintura renacentista

El término renacimiento describe la evolución cultural de los siglos XV y XVI originada en Italia por el despertar del interés hacia la cultura elástica y por una fuerte confianza en el individualismos. se seguía rindiendo culto a los logros de la antigüedad, pero al mismo tiempo se producía una reactivación intelectual y cultural. 

Las iglesias y edificios seglares de Italia y los museos de todo el mundo ofrecen una gran recopilación de pintura renacentista italiana.

• Pintura renacentista temprana

El desarrollo de los principios de la perspectiva lineal permitió a los pintores conseguir, por medio de la representación bidimensional, la ilusión del espacio tridimensional. La exploración de la anatomía condijo a un mayor entendimiento de la representación de la forma humana. También se empezaba a utilizar la pintura al óleo, desafiando a la antigua supremacía del temple y del fresco  Los pintores que explotaban el potencial de la nueva técnica trabajaban superponiendo estratos de veladuras de óleo transparentes y los lienzos sustituyeron a las antiguas tablas.

A continuación os facilitamos este vídeo  donde se explica el renacimiento, incluyendo tanto la arquitectura, la escultura y la pintura.

http://www.youtube.com/watch?v=auVv1RR2G0w

Pintura gótica

    Durante el principio del periodo gótico, la estructura de las catedrales concedía mayor importancia a las ventanas, por lo que las vidrieras desempeñaron un papel más prominente en el arte que los manuscritos miniados. Los artistas laicos instalaron sus talleres en París y en otros centros importantes, produciendo elaborados manuscritos miniados para los clientes reales. Hasta nosotros han llegado pinturas de temas seglares realizadas en aquel periodo, sobre todo en Italia.

"La virgen de los Reyes Católicos", anónimo.

• Estilo gótico internacional 

Entre las muchas características que definen la pintura de este estilo, se encuentra el detalle realista, que denota una perspicaz observación de los seres humanos y la naturaleza.

Autor: Roger Van Der Weyden "Descendimiento"

¿Puedes reconocer alguna obra de estos periodos?

Pintura medieval

    El arte de la edad media puede clasificarse según sus rasgos estilísticos distintivos. El arte celta, que floreció entre los siglos VII y XIX en diferentes zonas de las islas Británicas, se basaban en intrincados de dibujos caligráficos. En el periodo románico, durante los siglos XI y XII, los manuscritos del norte de Europa no detonaban ningún estilo concreto; algunas iluminaciones eran de inspiración clásica, mientras que otras señalaban un nuevo estilo de dibujo, enérgico y muy acusado. En el periodo gótico que siguió, desde fin del siglo XII hasta el comienzo del renacimiento italiano, se introdujo un gran repertorio de medios técnicos, y la pintura dejó de ser un producto de monasterio.

    Como sabemos que es mucha información, aquí os dejamos un vídeo donde podéis amplia mas la información:

http://www.youtube.com/watch?v=sWVzbtBjtss

Pintura paleocristiana y bizantina

   Las muestras de pintura paleocristiana que han llegado hasta nosotros datan del siglo III y IV y son los frescos de las catacumbas, en los que se representan escenas del Nuevo Testamento, cuya característica son ciertas estilizaciones y convencionalismos artísticos procedentes del mundo clásico.

    El estilo bizantino aparece también en los iconos, pinturas convencionales sobre tablas, destinadas al culto, que representan a Jesucristo, la Virgen y los santos. En los manuscritos miniados, tanto de textos laicos, como de escritos cristianos, se aprecian vestigios del estilo grecorromano.

Mosaicos de la basílica de San Cosme y San Damián

¿Sabes la pintura que pintura vino a continuación?

Pintura romana

    Los romanos decoraban sus villas con suelos de mosaicos y fresco representando rituales, mitos, paisajes, naturalezas muertas o bodegones, y escenas cotidianas.
Podéis ampliar la información en :
                             
http://www.youtube.com/watch?v=PiBDn2k3p6Y

Mosaico Romano

Pintura griega

    Las representaciones naturalistas de escenas mitológicas en la cerámica griega pueden arrojar alguna luz sobre cómo era esa pintura de gran formato. En la era helenística, las escenas y motivos representados en los mosaicos son también probablemente el eco de pinturas monumentales realizadas con otras técnicas que no han llegado hasta nosotros.

Aquiles y Ayax jugando a los dados

Pintura minoica

    Los minoicos decoraron con pinturas realistas las paredes de sus palacios en Creta y también las cerámica.

Fresco de las "Damas Azules", procedente del Palacio de Cnossos 

¿Conocéis los inicios del arte?

Pintura egipcia

    Hace mas de 5000 años los artistas egipcios empezaron a pintar los muros de las tumbas de los faraones con representaciones mitológicas y escenas de las actividades cotidianas, como la caza, la pesca...Prevalecen dos constantes estilísticas. En primer lugar, las imágenes, más conceptuales que realistas, presentan los rasgos anatómicos más característicos, combinando las vistas frontales y de perfil de la misma figura; en segundo lugar, la escala de las figuras indica la importancia de las mismas.

Os dejamos un vídeo que ejemplifica este tipo de pintura: 

http:/www.youtube.com/watch?v=z+ZtbioCHPm9k

Pintura Rupestre

    Las pinturas que se conservan en las cuevas de España y del sur de Francia representan bisontes, caballos y ciervos. Estas representaciones están realizadas en colores de tierra, compuestos de diferentes minerales pulverizados y mezclados con grasa animal, clara de huevo, extractos d plantas, cola de pescado, e incluso sangre; se aplicaban con pinceles hechos de varitas y juncos o se soplaban sobre la pared.

Debido a que estos tipos de pinturas son muy parecidas, os dejamos un enlace en que podréis realizar una visita virtual por la casa de la cultura de Valencina, la cual muestra un yacimiento prehistórico "EL DOLMEN", donde podréis realizar una visita tanto en la casa de la cultura como en el propio dolmen, en el cual los niños podrán realizar diversas actividades. 

3web.dipusevilla.es/panoramicas/valencina/museoydolmenes/

Pintura prehistórica y antigua

    Las pinturas más antiguas que se conocen fueron realizadas en las paredes de las cuevas durante el periodo paleolítico. Hay muestras del arte paleolítico en emplazamientos de Europa occidental, del África sahariana y del sur, y en Australia. En algunas zonas, como el litoral mediterráneo, el desarrollo de la pintura siguió en el periodo neolítico.

Dibujo de "la escena de caza" en la cueva de los caballos de La Valltorta